Qui peut imaginer une décoration sans fleurs ? Qu’ils soient de manière naturelle ou interprétés en images et imprimés, les motifs floraux nous entourent. Il fut un temps, cependant, où il n’en fut pas ainsi : pendant des siècles, l’art le plus élevé était religieux et historique et il n’y avait pas de place pour la représentation florale dans la peinture. Ce n’est qu’au XVIIe siècle que les peintres hollandais ont rendu hommage à la nature dans leurs œuvres. Même ainsi, à la Renaissance, les fleurs sont déjà apparues, mais presque toujours pour renforcer les idées et les principes moraux avec leur symbologie. Les lys représentaient la pureté de la Vierge (“L’Annonciation”, de Botticelli) et la rose, la chasteté (“La Vierge et l’Enfant”, de Filippo Lippi).
L’un des premiers artistes à transformer les fleurs en objet d’art fut le Néerlandais Ambrosius Bosschaert l’Ancien, avec des œuvres telles que sa “Nature morte aux fleurs” (1617). La raison pour laquelle le peintre a commencé à capturer des fleurs est due au goût de sa famille pour la botanique. Au fil du temps, la nature, morte ou vivante, a été dépeinte à maintes reprises. Dans la peinture romantique, les fleurs représentaient l’idéal de beauté, lorsque l’être humain aspirait à redécouvrir la nature, comme les saules et les joncs des œuvres de Turner ou les nénuphars et les pivoines de Cole Thomas. Les derniers à profiter de la nature furent les impressionnistes. Des peintres comme Manet décrivaient les plaisirs de la campagne et d’autres capturaient l’explosion des couleurs du printemps, comme Monet et ses champs de coquelicots. Monet, comme Van Gogh plus tard, a consacré un tableau aux tournesols.
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Il y a eu de nombreux hommages aux fleurs dans l’art. Par exemple, l’olivier. La Passion de Jésus-Christ se déroule dans le Jardin des Oliviers et des auteurs tels que Botticelli l’ont capturée dans leurs œuvres. D’autres plantes qui symbolisent la mort de Jésus sont la passiflore, le laurier ou le frêne. Dans le tableau de Botticelli “L’agonie dans le jardin”, l’olivier est la seule plante du jardin. Et l’oeillet ? Il est de coutume que la Vierge porte une fleur à la main, symbole de pureté. La couleur rouge de l’œillet porté par la Vierge dans cette peinture de Da Vinci indique le grand amour qu’elle ressent pour l’enfant. L’œillet était considéré à la Renaissance comme «l’amour divin» et était courant dans l’art italien de cette époque.
entrer dans la maison
Les fleurs sont entrées dans nos maisons comme motif de décoration dès les 18ème et 19ème siècles, à travers le papier peint. Il y a des siècles, ils étaient déjà courants dans les tapisseries, mais seules les personnes très riches pouvaient se permettre ces tissus. La bourgeoisie est celle qui a popularisé la mode d’habiller les murs de trompe-l’œil. L’un des designers les plus connus du XIXe siècle était William Morris, symbole du mouvement « Arts and Crafts » ou « arts décoratifs ». et dont la philosophie était de faire entrer la nature dans la maison. Il se trouve d’ailleurs que cet effort pour recréer le végétal et la nature dans les chambres fut responsable de nombreux décès par empoisonnement dans l’Angleterre victorienne. Dans bon nombre de ces papiers de William Morris, le «vert scheele» bien connu a été utilisé, qui est de couleur très intense et qui avait de l’arsenic comme ingrédient.
Ce qui est curieux, c’est que d’autres pays européens ont déjà mis en garde contre le risque d’arsenic, mais en Angleterre, pour une raison quelconque, ils l’ont ignoré et l’ingrédient est devenu populaire avec le papier peint. On croyait que si vous ne le léchiez pas ou ne le touchiez pas, il n’y avait aucun danger, sans savoir que l’humidité était responsable de la libération des vapeurs dangereuses.
Il est peut-être l’un des artistes les plus connus pour peindre des fleurs et ses ‘Tournesols’ sont l’une de ses œuvres les plus célèbres. Mais on aime mieux son ‘Almendro en flor’, fortement influencé par l’esthétique japonaise, si en vogue à la fin du XIXe siècle et qui a inspiré de nombreux papiers peints et estampes. Cette œuvre montre un Van Gogh heureux à Arles (France) après la naissance de son fils.
L’artiste anversois fut l’un des premiers à immortaliser les fleurs, après des siècles où l’art ne montrait que des scènes religieuses ou historiques.
Si en Europe il n’était pas bien vu de représenter des fleurs, en Asie c’était une tradition. Maître Utagawa Hiroshige a peint ces hibiscus en 1845.
Le tableau ‘Bauerngarten’ a été vendu en 2017 pour 52,7 millions d’euros. L’œuvre, de 1907, est emportée par la couleur de la prairie au lieu des détails.
Le Français Claude Monet aimait beaucoup le jardinage et les fleurs sont un motif fondamental dans ses œuvres, comme ce détail de coquelicots.
